Biografía de Jackson Pollock

Los líderes del movimiento expresionista

Jackson Pollock (nacido Paul Jackson Pollock el 28 de enero de 1912 – 11 de agosto de 1956) fue un pintor de acción, uno de los líderes del movimiento expresionista abstracto de vanguardia, y es considerado uno de los más grandes artistas de América. Su vida se vio truncada a la edad de cuarenta y cuatro años, en un trágico accidente automovilístico a manos propias mientras conducía en estado de embriaguez.

Una nueva técnica radical

Aunque tuvo dificultades financieras durante su vida, sus pinturas valen ahora millones, con un cuadro, el Nº 5, de 1948, que se vendió por unos 140 millones de dólares en 2006 a través de Sotheby’s. Se hizo especialmente conocido por la pintura por goteo, una nueva técnica radical que desarrolló y que le catapultó a la fama y la notoriedad. Pollock era un hombre mercurial que vivió una vida dura y rápida, salpicada de períodos de depresión y reclusión, y luchó contra el alcoholismo, pero también era un hombre de gran sensibilidad y espiritualidad.

Una respetada artista expresionista abstracta

Se casó con Lee Krasner en 1945, ella misma una respetada artista expresionista abstracta, que tuvo una gran influencia en su arte, vida y legado. El amigo y mecenas de Pollock, Alfonso Osorio, describió lo que es tan único y convincente de la obra de Pollock diciendo sobre su viaje artístico: «Aquí vi a un hombre que había roto todas las tradiciones del pasado y las había unificado, que había ido más allá del cubismo, más allá de Picasso y del surrealismo, más allá de todo lo que había sucedido en el arte… su obra expresaba tanto la acción como la contemplación».

La obra de Pollock

Tanto si le gusta o no la obra de Pollock, cuanto más aprenda sobre él y su obra, más probable será que llegue a apreciar el valor que los expertos y muchos otros ven en ella, y a apreciar la conexión espiritual que muchos espectadores sienten con ella. Como mínimo, es difícil no sentirse afectado por el hombre y su arte después de ver la intensidad de su enfoque y la gracia de sus movimientos de baile en las imágenes de su proceso de pintura.

UNA LEYENDA Y UN TITÁN DEL ARTE

Además de sus propias contribuciones artísticas, hubo varios factores que juntos ayudaron a convertir a Jackson Pollock en un titán del arte y una leyenda. Su imagen de vaquero machista y fotogénico era similar a la de la estrella de cine rebelde James Dean, y el hecho de que muriera en un accidente de coche a alta velocidad en una borrachera alcohólica, con su amante y otra persona como pasajeros, contribuyó al romance de su historia.

El manejo inteligente

Las circunstancias de su muerte, y el manejo inteligente de su patrimonio por su esposa, Lee Krasner, ayudaron a impulsar el mercado de su trabajo y el mercado del arte en general. Durante su vida Pollock fue a menudo solitario, encajando en el mito del artista y héroe solitario que América admiró después de la Segunda Guerra Mundial. Su imagen creció junto con el crecimiento del negocio del arte y la cultura en la ciudad de Nueva York.

El coleccionista de arte y socialista

Pollock llegó a la ciudad de Nueva York a los 17 años en 1929 justo cuando se inauguró el Museo de Arte Moderno y la escena artística estaba en auge. En 1943 el coleccionista de arte y socialista Peggy Guggenheim le dio su gran oportunidad al encargarle la pintura de un mural para el vestíbulo de su casa en Manhattan. Ella le pagó 150 dólares al mes para hacerlo, liberándolo para que se concentrara completamente en la pintura.

La vanguardia del mundo del arte

La pieza, Mural, catapultó a Pollock a la vanguardia del mundo del arte. Fue su pintura más grande, la primera vez que usó pintura para casas y, aunque todavía usaba el pincel, experimentó con la pintura de parpadeo. Atrajo la atención del renombrado crítico de arte Clement Greenberg, quien dijo más tarde, «Eché un vistazo a Mural y supe que Jackson era el mejor pintor que este país había producido». A partir de entonces Greenberg y Guggenheim se convirtieron en amigos, defensores y promotores de Pollock.

Algunos incluso han confirmado que la CIA estaba utilizando el Expresionismo Abstracto como arma de la Guerra Fría, promoviendo y financiando secretamente el movimiento y las exposiciones en todo el mundo para mostrar el liberalismo intelectual y el poder cultural de los EE.UU. en contraste con la conformidad ideológica y la rigidez del comunismo ruso.

BIOGRAFÍA

Las raíces de Pollock estaban en Occidente. Nació en Cody, Wyoming, pero creció en Arizona y Chico, California. Su padre era granjero, y luego agrimensor para el gobierno. Jackson acompañaba a su padre a veces en sus viajes de agrimensura, y fue a través de estos viajes que se expuso al Arte Nativo Americano que más tarde influiría en el suyo propio. Una vez fue con su padre a una misión en el Gran Cañón que pudo haber tenido un impacto en su propio sentido de la escala y el espacio.

La dirección de Thomas Hart Benton

En 1929 Pollock siguió a su hermano mayor, Charles, a la ciudad de Nueva York, donde estudió en la Liga de Estudiantes de Arte bajo la dirección de Thomas Hart Benton durante más de dos años. Benton tuvo un gran impacto en la obra de Pollock, y Pollock y otro estudiante pasaron un verano recorriendo el oeste de los Estados Unidos con Benton a principios de la década de 1930. Pollock conoció a su futura esposa, la artista Lee Krasner, también expresionista abstracta, mientras ella veía su trabajo en la exposición anual de la escuela.

El Museo Guggenheim

Pollock trabajó para la Works Project Association de 1935 a 1943, y brevemente como encargado de mantenimiento en lo que se convertiría en el Museo Guggenheim, hasta que Peggy Guggenheim le encargó el cuadro para su casa. Su primera exposición individual fue en la galería Guggenheim, «Arte de este siglo», en 1943. Pollock y Krasner se casaron en octubre de 1945 y Peggy Guggenheim les prestó el anticipo para su casa, situada en Springs en Long Island.

Una aventura con Ruth Kligman

La casa tenía un cobertizo sin calefacción en el que Pollock podía pintar durante nueve meses al año, y una habitación en la casa para Krasner. La casa estaba rodeada de bosques, campos y pantanos, lo que influyó en el trabajo de Pollock. Sobre la fuente de sus imágenes, Pollock dijo una vez: «Soy la naturaleza». Pollock y Krasner no tenían hijos. Pollock tuvo una aventura con Ruth Kligman, que sobrevivió al accidente de coche que le mató a la edad de 44 años en agosto de 1956.

Un Jackson Pollock

En diciembre de 1956, se celebró una retrospectiva de su trabajo en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. Posteriormente se celebraron otras retrospectivas más amplias en 1967 y 1998, así como en la Tate de Londres en 1999. Muchas personas asumen que podrían replicar fácilmente un Jackson Pollock. A veces se oye: «¡Mi hijo de tres años podría hacer eso!» ¿Pero podrían? Según Richard Taylor, que estudió la obra de Pollock a través de algoritmos informáticos, la forma y la musculatura únicas del físico de Pollock contribuyeron a que se produjeran movimientos, marcas y fluidez particulares en el lienzo.

ESTILO E INFLUENCIAS DE LA PINTURA

Sus movimientos eran una danza finamente afinada, que para el ojo no entrenado, podían parecer aleatorios y no planeados, pero eran realmente muy sofisticados y matizados, muy parecidos a los fractales. Benton y el estilo regionalista influyeron mucho en la forma en que Pollock organizó sus composiciones. De muchas de sus primeras pinturas y cuadernos de bocetos de sus clases con Benton se puede ver la influencia en sus obras abstractas posteriores de ritmos figurativos arremolinados y «sus continuos esfuerzos por organizar composiciones enraizadas en giros contrarios, como Benton había aconsejado».

El muralista mexicano

Pollock también fue influenciado por el muralista mexicano Diego Rivera, Pablo Picasso, Joan Miró y el surrealismo, que exploró temas subconscientes y oníricos, y la pintura automática. Pollock participó en varias exposiciones surrealistas. En 1935 Pollock tomó un taller con un muralista mexicano que animó a los artistas a utilizar nuevos materiales y métodos para tener un mayor impacto en la sociedad. Estos incluían salpicar y tirar pintura, usar texturas de pintura en bruto y trabajar en lienzos clavados en el suelo.

Mediados de los 40 estaba

Pollock se tomó este consejo muy a pecho, y a mediados de los 40 estaba pintando de forma completamente abstracta sobre lienzo crudo sin estirar en el suelo. Empezó a pintar en el «estilo de goteo» en 1947, evitando los pinceles, y en su lugar goteando, salpicando y vertiendo esmalte de pintura para casas desde la lata, también usando palos, cuchillos, paletas, e incluso una cacerola de carne.

El contacto con la pintura

También untaba arena, vidrios rotos y otros elementos de textura en el lienzo, mientras pintaba en un movimiento fluido desde todos los lados del lienzo. Él «mantendría el contacto con la pintura», su descripción del proceso de lo que se necesitaba para crear una pintura. Pollock tituló sus pinturas con números en lugar de palabras. Pollock es más conocido por su «período de goteo» que duró entre 1947 y 1950 y aseguró su prominencia en la historia del arte, y la de América en el mundo del arte.

PINTURAS DE GOTEO

Los lienzos se colocaban en el suelo o contra una pared. Estas pinturas se hicieron de forma intuitiva, con Pollock respondiendo a cada marca y gesto realizado mientras canalizaba las emociones y sentimientos más profundos de su subconsciente. Como él decía, «La pintura tiene vida propia. Intento dejarla pasar». Muchos de los cuadros de Pollock también muestran el método de pintura «all-over».

La inmensidad del espacio

En estas pinturas no hay puntos focales claros ni nada identificable; más bien, todo tiene el mismo peso. Los detractores de Pollock han acusado a este método de ser como el papel pintado. Pero para Pollock se trataba más bien del ritmo y la repetición del movimiento, el gesto y la marca dentro de la inmensidad del espacio mientras canalizaba la emoción primitiva en la pintura abstracta.

El flujo de la pintura

Usando una combinación de habilidad, intuición y azar creó un orden a partir de lo que parecían ser gestos y marcas aleatorias. Pollock sostenía que controlaba el flujo de la pintura en su proceso pictórico y que no había accidentes. Pintaba en enormes lienzos de manera que el borde del lienzo no estaba dentro de su visión periférica y por lo tanto no estaba confinado por el borde del rectángulo. Si era necesario, recortaba el lienzo cuando terminaba de pintar.

Un artículo de dos páginas

En agosto de 1949, la revista Life publicó un artículo de dos páginas y media sobre Pollock en el que se preguntaba: «¿Es el mayor pintor vivo de los Estados Unidos?» El artículo presentaba sus pinturas de goteo a gran escala, y lo impulsó a la fama. Lavender Mist (originalmente llamada Número 1, 1950, pero rebautizada por Clement Greenberg) fue una de sus pinturas más famosas y ejemplifica la confluencia de lo físico con lo emocional.

Sus propios demonios

Sin embargo, no pasó mucho tiempo después de que saliera el artículo de LIFE que Pollock abandonó este método de pintura, ya fuera por la presión de la fama, o por sus propios demonios, comenzando lo que se llama sus «vertidos negros». Estas pinturas consistían en trozos biomórficos bloqueados y no tenían la composición «completa» de sus pinturas de goteo de color. Desafortunadamente, los coleccionistas no estaban tan interesados en estas pinturas, y ninguna de ellas se vendió cuando las exhibió en la Galería Betty Parsons en Nueva York, así que volvió a sus pinturas figurativas de color.

CONTRIBUCIONES AL ARTE

Independientemente de que te importe o no su trabajo, las contribuciones de Pollock al mundo del arte fueron enormes. Durante su vida estuvo constantemente arriesgándose y experimentando e influyó enormemente en los movimientos de vanguardia que le sucedieron. Su estilo abstracto extremo, la fisicalidad con el acto de pintar, la enorme escala y método de pintar, el uso de la línea y el espacio, y la exploración de los límites entre el dibujo y la pintura fueron originales y poderosos.

Cada cuadro era de un tiempo y lugar únicos, el resultado de una secuencia única de coreografía intuitiva, que no debía ser replicada o repetida. Quién sabe cómo habría progresado la carrera de Pollock si hubiera vivido, o qué habría creado, pero sabemos que, de hecho, un niño de tres años no puede pintar un Jackson Pollock. Nadie puede.

 

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